365 películas

Million Dollar Baby (Golpes del Destino)

2010-11-08T11:49:00.003-06:00

Ahora que las carteleras de cine se colman de versiones nuevas de viejas historias, o se apela a las "fórmulas" de éxito, no podemos más que agradecer que dentro de ese vasto abanico de opciones tengamos la oportunidad de disfrutar una película inteligente, emotiva y con la rigurosa etiqueta de alta factura. Nos referimos a Million Dollar Baby, el recién estrenado filme del actor y director estadounidense Clint Eastwood.

Million Dollar Baby nos narra la historia de tres personajes envueltos en el mundo del boxeo. En primera instancia tenemos a Frankie Dunn (Clint Eastwood), un entrenador excepcional que lleva arrastrando desde hace algunos años la decepción por no tener contacto alguno con su hija, y que se refugia en la iglesia para callar sus culpas. Al lado de Frankie, y a manera de confidente y amigo, encontramos a Scrap (Morgan Freeman), ex-boxeador y administrador del gimnasio "The Hit Pit", del cual Frankie es dueño. El tercer elemento que irrumpe en la vida de estos dos hombres es la treintañera Maggie Fitzgerald (Hilary Swank), mujer que lucha por dejar su pasado tormentoso atrás y cumplir su anhelo más deseado: convertirse en una boxeadora profesional.

Maggie llega un día al gimnasio de Frankie para que éste la convierta en eso que ella desea, no sin antes recibir una respuesta negativa del viejo entrenador. Será Scrap quien interceda por ella ante Frankie para que reconsidere su postura, al mismo tiempo que ve en Maggie el potencial para llegar a ser una pugilista destacada.

Esta cinta, basada en un cuento corto de la colección "Rope Burns", escrito por F.X. Toole y adaptada al cine por el ganador de un Emmy, Paul Haggis, es un viaje de melancolía y derrotas, dentro y fuera del ring; pero más allá de ver un tratado sobre el boxeo actual, se antoja éste como un pretexto, un vehículo para desentrañar la mente de estos tres personajes, los cuales deben afrontar sus frustraciones y deseos, así como lo hacen frente a un oponente.

Como siempre, y a lo largo de cuatro décadas, Clint Eastwood da cátedra sobre el arte de actuar y dirigir ?además de producir-. Con la experiencia que le han dado películas como "Unforgiven" ?ganadora de cinco Oscares, incluyendo Mejor Director para Eastwood-, "The Bridges of Madison Country" o la cinta de 2004, "Mystic River", Eastwood construye una historia perfectamente planeada, con su inolvidable estilo clásico que nos recuerdan aquellas películas llamadas "de actores"; dramas que sustentan su brillo e interés en el duelo de interpretaciones más que en la utilización de artificios propios de nuestra época.
Revisando el cuadro de actores encontramos a la ganadora del Oscar, Hilary Swank, quien luce espléndida en su interpretación, tanto en el aspecto mental como físico. Con una trayectoria que repuntó con "Boys Don´t Cry" ?película por la cual ganó el premio de la Academia- y una serie de trabajos variados entre los que destacan "The Gift" y "The Affair of The Necklace", podemos estar seguros que Swank entrega una de sus mejores actuaciones a la fecha.

Cerrando la triada actoral nos topamos con el inmejorable Morgan Freeman, actor de teatro, cine y televisión, que dentro de su filmografía podemos mencionar "Amistad", "The Shawshank Redemption" y "Bopha!" ?la cual fue su debut detrás de cámaras como director- Freeman ofrece en Million Dollar Baby una actuación digna de su prestigio como primer actor, dentro y fuera de los EE.UU., al encarnar un ex-boxeador que tuvo que retirarse del cuadrilátero, cuando estaba en el punto más alto de su carrera, debido a un lamentable impedimento físico.

Con una estética atemporal a propósito, en aras de ofrecer una historia que fuera entendida en cualquier época, y con locaciones en algunas de las calles y edificios más representativos de Los Angeles, Eastwood vuelve a anotarse un acierto en su vasta filmografía, entregándonos lo que para muchos críticos de cine es "una película pronta a convertirse en clásico"

Nominada para seis premios Oscar de este 2005 (Mejor Película, Mejor Guión Adaptado, Mejor Director y Mejor Actor para Clint Eastwood, Mejor Actriz para Hilary Swank, Mejor Actor de Reparto para Morgan Freeman y Mejor Edición), y ganadora a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Actor de reparto, no podemos dudar que, a pesar de la subjetividad con la que se maneja esta premiación, es un buen indicativo de calidad y un aliciente para visitar la sala de un cine con la consigna de disfrutar las más de dos horas de duración de este filme y, tras acabar la proyección, salir y aún disfrutar esa mágica y contagiosa sensación que representa el buen cine contemporáneo, en la forma de Million Dollar Baby.

Zodiac (preview)

2007-06-01T13:16:00.001-05:00

¿De qué va? Entre la década de los 60 y 70 un asesino serial se hizo notar en el área de San Francisco, en EE.UU.: Zodiac. Éste se caracterizó por su propio manejo mediático, al enviar cintas y mensajes encriptados a la prensa, así como autonombrarse. La película sigue las diferentes líneas de investigación, tanto de medios de comunicación como de la policía local.

¿Quiénes? Participan Jake Gyllenhaal como Robert Graysmith, el dibujante del San Francisco Chronicle, quien descifra los mensajes de Zodiac, Mark Ruffalo como el Inspector David Toschi, encargado de la línea investigadora policial y Robert Downey Jr. como Paul Avery, el intrépido reportero, también del San Francisco Chronicle, quien daría todo por la exclusiva de saber quien es Zodiac.

¿Cómo? David Fincher, director de la aclamada Se7en, regresa al mundo de los asesinos, con la adaptación del libro homónimo de Robert Graysmith, el dibujante de la vida real. Fincher tomó dicho libro como referencia debido a que Graysmith es uno de los investigadores más respetados en cuanto al caso Zodiac se refiere.

¿Por qué? Fincher parece estar nuevamente en su elemento, con historias negras y de difìcil solución. Más allá de refrendar el estilo de Se7en, el director se apoya en la investigación documental de este suceso, para que cada detalle, fecha y dato ayude al espectador a crear su propia conclusión sobre la identidad de Zodiac.

Historias de Familia (The Squid & The Whale)

2006-05-05T18:12:00.001-05:00

Walt y Frank son dos hermanos viviendo en Brooklyn de 1986. Sus padres, Bernard y Joan Berkman, forman una pareja seudointelectual que enfrenta varios problemas: por un lado él es un escritor que lleva un largo periodo sin publicar, mientras que ella comienza a destacar con sus escritos; por otro lado las contantes infidelidades de ella hacen que, después de una entendida y acalorada discusión, decidan divorciarse, con la debidas implicaciones que ello representa.

Al ser 'tan civilizados', establecen que Bernard debe mudarse a otro apartamento, así como el órden de la custodia, determinando qué días le corresponden a cada uno.

Walt y Frank no tienen la misma edad. Walt ronda los 17 años, es inteligente, pero no tanto. Encuentra su primera novia, Sophie, sobre la que tiene dudas sobre su 'inteligencia'. Frank es más chico, y como todo pre - adolescente, ya está pensando sobre su futuro: ser un tenista profesional, pero no como McEnroe, sino un profesional en la enseñanza.

Historias de Familia es la cuarta película del director estadounidense Noah Baumbach, el cual es también guionista. La historia de la familia Berkman se basa en las vivencias de su niñez, en donde al igual que sus personajes, enfrentó junto a su hermano el divorcio de sus padres.

En los protagónicos tenemos a Jeff Daniels como Bernard, entregando una actuación que nos hace olvidar tantos papeles mediocres que ha realizado. Como patriarca y novelista frustrado se luce, tanto en sus parlamentos y gestos, como en la forma en que mantiene el nivel actoral frente a Laura Linney (Joan), en un trabajo muy logrado y que demuestra la versatilidad de la actriz neoyorkina (sólo hay que ver la parte en donde éstos discuten en la calle y Bernard está a punto de llorar, pero se contiene, o cuando Frank le dice a Joan que es fea)

Los hijos, Walt y Frank, interpretados por Jesse Eisenberg y Owen Kline, respectivamente, dan soporte y buena réplica, en especial Owen, dándole a su personaje un aire oscuro y sumamente real sobre hijos en medio de un divorcio.

Como secundaria está Anna Paquin, interpertando a Lili, la alumna e interés romántico de Bernardo, así como como William Baldwin (Ivan), como el entrenador de Frank.

Una comedia muy disfrutable, bien actuada y con mensaje de que 'las familias disfunsionales' no son casos aislados, y si lo son, es porque tememos ser parte de alguna. El título original de la cinta, The Squid & The Whale (El calamar y la ballena), hace referencia a una anécdota entre Walt y su madre, una metáfora tal vez de la relación tormentosa entre Bernard y Joan, aunque también pudiera ser la relación en general de esta familia.

Bajos Instintos 2 (Basic Instinct 2)

2006-05-01T20:18:00.001-05:00

Allá por 1992 apareció en la cartelera un thiller erótico llamado Bajos Instintos. Respaldado por la experiencia de su director, Paul Verhoeven, creador también de Total Recall y Robocop, y de su guionista, Joe Eszterhas, responsable de, por igual, dramas con carga sexual como Sliver o Showgirls, este improbable éxito en taquilla vino a colocar a Sharon Stone como la sex symbol de los 90, y a Michael Douglas que, si bien no lo lanzó a la fama, si refrendó su estatus de conquistador en la pantalla grande.

Después del éxito obtenido con esta cinta - logró recaudar casi 120 millones de dólares sólo en EE.UU, con un presupuesto de 49 millones de dólares - era lógica una segunda parte, pero debido a problemas con el guión, el director y los actores principales - Stone, después de la demanda que interpuso en contra de Verhoeven por la famosísima escena del cruce de pierna, no deseaba regresar a su papel, además que en 2001 demandó también a los productores de la segunda parte por no dar luz verde al proyecto - se retrasó casi 14 años el proceso de pre - producción y filmación.

Ahora en 2006 regresa Catherine Tramell (Sharon Stone), con la -supuesta- misma carga sexual, aunque con diferente escenario: Londres. Al igual que en la primera parte, la cinta parte de la misteriosa muerte del amante en turno de Catherine: Kevin Franks (Stan Collymore), jugador que muere cuando él y Tramell tienen un accidente automovilístico .

Es entonces que Catherine es llevada a juicio (un juicio corto, que se agradece) y en el que es examinada por el psicoanalista Michael Glass (David Morrissey), el cual viene arrastrando culpas por un caso anterior, en el que 'protegió' de cierta manera a un asesino.

Catherine, por supuesto, intenta seducirlo (que sería de la película sin esta distinción), pero como todos sabemos, la seducción de ella es un juego que debe ser a través del poder, no sólo por el gusto de recrearla. Glass pone un freno a las intenciones de su paciente (en un giro forzado de la historia, ella pide su consulta, sino qué instintos básicos veríamos) Éste, además, pasa por un mal rato, ya que su ex esposa está teniendo relaciones con el periodista Adam Towers (Hugh Dancy), el cual quiere exponerlo a través de un artículo sensacionalista.

Básicamente, lo anterior es lo que desata la anécdota de la película. Instintivamente creeríamos que el personaje principal es Catherine Tramell, pero no, es el psicoanalista quien carga con la mayor parte de la película. Stone es el remanente de la primera parte, y lógicamente esto arruina la expectativa del cinéfilo.

Si quitáramos el papel de Tramell, o sólamente fuera una película sobre la búsqueda de un asesino suelto en Londres, la película no tendría tantas fallas, pero al insistir o rumorar que la asesina es Catherine y ésta es la que mueve los hilos de la trama, esto se convierte en un camino sin salida.

El gran error del filme, tanto mercadotécnico como de dirección, es la poca carga sexual a la que se intenta apelar. Será tal vez que las partes 'más jugosas' de la cinta fueron eliminadas, que el esperado encuentro sexual entre los protagonistas es por demás insípido, rápido y poco imaginativo (qué esperanza de ver ese revuelco de pasiones entre la Stone y Douglas, con todo y espectáculo vouyerista)

La cinta nos presenta 3 o 4 encuentros íntimos, la mayoría con la presencia de la Señora Stone y uno entre el Doctor Glass y Michelle Broadwin (Flora Montgomer), una farmacobióloga (o vayan ustedes a saber que), el cual es de pena ajena (el doctor recuerda haber leído en un libro de Catherine un episodio en el que un personaje jala salvajemente el cabello de su amante, mientras tienen sexo, y éste con la nula excitación que proyecta, hace lo mismo, todo porque ve la fotografía de la escritora en la contraportada de una de sus novelas)

El mérito de esta cinta es que, al igual que su antecesora, trata de jugar con la identidad del asesino, el cual puede ser cualquiera de los implicados, ya sea Catherine, el Doctor Glass, el detective Washburn (David Thewlis) quien lleva la investigación del caso, la colega de Glass, la Doctora Milena Gardosh (Charlotte Rampling) o la ex esposa de Glass, Denise (Indira Varma)

Insisto, no es película deplorable (tiene momentos rescatables, como cuando Catherine se sienta en una silla y comienza a decirle al doctor cómo le gustaría a él tener sexo con ella), si no fuera porque es la segunda parte de Bajos Instintos. La tensión sexual, el cachondeo y la mala leche de Catherine no se sienten, tampoco se siente justificada la presencia de Charlotte Rampling (un papel secundario que no despega, no propone y que se antojaba para tener un encuentro con la Stone.

Michael Caton-Jones, el director, intentó conducir la película hacia el lado 'intelectual' (por llamarlo de alguna forma) y se olvidó que estamos hablando de una secuela (toda secuela debe tener el doble de aspectos, por lo menos) que requería explotar mucho más el personaje de Catherine, presentarla con vulnerabilidad, por lo menos en un pestañeo de ojos, y que la figura masculina debía ser más desafiante. A la par de estas observaciones, también una planeación de locaciones hubiera estado perfecta (el consultorio del doctor lo vemos más de lo necesario)

Sin duda no fue el regreso triunfal de Sharon Stone, como se esperaba, a pesar de que no decepciona en su apariencia -todavía soporta, con orgullo, un par de close-ups-, pero 14 fueron muchos años de espera y pocos resultados en pantalla. La carrera de Caton-Jones no se sabe si declinará (por lo menos tiene en su haber la excelente This Boys´s Life, con la única, a mi parecer, buena actuación de Leonardo DiCaprio)

Sr. & Sra. Smith (Mr. & Mrs. Smith)

2005-06-28T17:12:00.001-05:00

Después de los rumores de un posible romance entre Pitt y Jolie, era tiempo para ver si realmente la química entre estos traspasaba la pantalla grande. Conclusión: una pareja explosiva.
Bajo las órdenes de Doug Liman, responsable de cintas como Swingers (excelente), Go (buen ejercicio) o The Bourne Identity (una "must to"), ésta dupla de actores se presenta como un matrimonio aparentemente feliz. Después de cinco años de vivir juntos (seis si se le pregunta al personaje de Jolie :), la relación parece no funcionar más. Cómo típica pareja, recurren a la ayuda profesional para desentrañar el problema que los ha distanciado... pero ¡ah! no contabamos con la sorpresa de que ambos son espías profesionales, y ese parece ser el mayor de sus secretos.

Sumamente criticada esta cinta, ya sea por el escándalo fuera de cámara o la superficialidad en el tratamiento de las relaciones actuales, lo que es cierto es que entretiene en su mayoría. Muchos defectos aquejan a esta película, entre los que podemos mencionar:

1.- Un guión demasiado inverosímil. Es cierto que el cine es para imaginar, pero cuando te fumas dos porros al momento de escribir un guión, se convierte éste en un pretexto para tener un Blockbuster de verano. Es una lástima si tomamos en cuenta que Doug Liman ya tenía experiencia con películas de espías (que tampoco era garantía)

2.- Mientras que Angelina Jolie luce espectacular físicamente (un pecado hubiera sido lo contrario), su actuación recuerda a Lara Croft sólo que "picante" y con más "trompita parada". Por su parte Brad Pitt imita su personaje en Ocean´s Eleven. Esto no tendría nada de malo sino fuera porque ¡ESTÁN ACTUANDO EN OTRA PELÍCULA! Fallo grande de Liman. El que también se "refritea" es Vince Vaugh: mientras que en Swingers era simpático y un poco perdedor, aquí interpreta al mismo perdedor, con madre castrosa y lugar de relleno. Adam Brody pasa sin pena ni gloria (aunque debe de agradecer que Liman lo sacar de su serie de tv por un rato)

3.- Hablando de Liman, y después de haber mencionado algunos de sus trabajos anteriores, no sabemos si el cargo de productor ejecutivo de la serie televisiva The OC le afectó el oficio de director, porque hasta The Bourne Identity se perfilaba como un director que mezclaba perfectamente el aspecto visual con anécdotas interesantes, no muy profundas, pero si por arriba de la media en Hollywood.

A pesar de que existen más "peros", esta película tiene un buen saborcillo después de verla. Si eres de lo que la inspeccionó de arriba a abajo, es muy seguro que pidieras el reembolso de tu boleto. Para los que ibamos con cierta renuencia, pero también con ganas de no ponernos tan "intensos", la historia de los señores Smith resulta un buen entretenimiento rayando en lo dominguero. Es el tipo de película que prefieres ver como parodia, que jalarte los pelos por lo chusca y obvia que resulta.

Lamentablemente un servidor puede decir muchas cosas negativas de esta película (como la falsísima "jarra" que se pone Jane-Jolie en su cuartel general o los diálogos "antológicos" previos al tango-asesinato), pero debo reconocer que ver a Angelina Jolie en traje de cuero (¿haz sido un niño malo?) y dejándose caer por un edificio, para aterrizar perfectamente peinada y encontrar enseguida un taxi en Nueva York es como esa tarjeta donde "ciertas cosas no tienen precio" Además, gracias a esta película, ella puede dar declaraciones sobre su vida privada como ésta:
"El sexo es sano, Tengo amantes. No me he vuelto a enamorar. Nos vemos en hoteles, un par de horas, nunca en mi casa. No quiero confundir a Maddox"

CinePremiere, Junio 2005.*

*Traduccion: "El sexo es sano (...si y sólo si hay dagas de por medio). No me he vuelto a enamorar (...de un hombre que me dobla la edad como Billy bob Thornton). Nos vemos en hoteles (...baños públicos y cines de media noche), un par de horas (...o hasta que se acaben las monedas para la cama que vibra), nunca en mi casa (...habría que lavar sábanas) No quiero confundir a Maddox (...Maddox ya se confundió desde hace mucho)

Bajo el sol de Toscana (Under the Tuscan Sun)

2004-10-07T23:04:00.003-05:00

Establezcamos algo: el cine es para todos, pero no todos ven el cine de igual forma. Con esto en mente nos gustaría comentar una película que genera varias lecturas. La película en cuestión se llama Bajo el Sol de Toscana (Under the Tuscan Sun), cinta dirigida por la cineasta estadounidense Audrey Wells, quien dentro de su trabajo en el cine, destaca más su labor como guionista, con filmes como The Kid (la historia de un adulto que se enfrenta a su infancia, protagonizada por Bruce Willis), The truth about cats & dogs (la dupla Thurman-Garofalo en una comedia romántica) o la no tan afortunada George of the Jungle (con Brendan Fraser)
Es hasta Bajo el Sol de Toscana que su nombre destaca en la dirección, tomando como punto de partida la autobiografía de la también escritora Frances Mayes. Wells presenta con este trabajo uno de los géneros más difíciles y controversiales que se tiene noticia: el cine de mujeres para mujeres. Pero esta reciprocidad no debe verse como complaciente o despectiva; debemos tomar el hecho que, dejando a un lado el arte que implica el cine, nadie puede hablar mejor de lo que pasa en la mente de una mujer, que otra mujer -aun cuando existan directores como Todd Haynes o Stephen Daldry, que realizaron grandes películas sobre mujeres como Far from Heaven o The Hours, respectivamente-

Bajo el Sol de Toscana nos cuenta la historia de Frances Mayes, escritora en espera de iniciar su novela, que mientras tanto realiza reseñas de libros. Una noche recibe una terrible noticia: su esposo le es infiel. Este hecho hace que no sólo pierda su energía, sino también su casa. Desilusionada y en la encrucijada de continuar su vida de soltería obligada, un viaje a Italia se le presenta como la fácil resolución a su conflicto interno. Es específicamente en Toscana donde comienza a reconstruir su vida, además de reparar una vieja villa italiana.

Este viaje poco a poco va convirtiéndose para Frances en una aventura sin retorno. Con personajes pintorescos y situaciones tragi-cómicas, ella se da cuenta que hay una vida esperándola, con alegrías y altibajos, pero al fin vida después de un divorcio.

Quien se encarga de encarnar a esta heroína es Diane Lane, actriz que ha destacado últimamente con cintas como The Perfect Storm, o su trabajo que le valió una nominación al Oscar: Unfaithful, al lado de Richard Gere -con quien ya había actuado en The Cotton Club- El retrato que hace Lane de esta escritora es fresco y agradable, un trabajo que si bien no pasará a la posteridad en la historia del cine, si nos indica la capacidad de ésta para hacer empatía con la audiencia.

Al principio decíamos que el cine no es visto por igual; esta película es la muestra. La historia de esta divorciada pudiera ser la de miles de mujeres. Es el punto de vista de una mujer directora el que le imprime a la historia esa mezcla de romanticismo, sueños, fantasías y esperanzas que toda mujer tiene al hablar del amor. Esta situación es la que tiene mayor conexión en el sector femenino, el que hace que las damas agradezcan y sonrían al final de la proyección.
En el caso de los hombres esta conexión es mínima, no por un problema en la película en sí, tal vez sea porque no hay una identificación con el personaje principal, ya el hombre vive de manera diferente un divorcio.

Sin embargo, lejos de que esta diferencia de percepción afecte la apreciación final, la enriquece ¿Por qué? Porque las mujeres verán una historia que no las define, las hace soñar, mientras los hombres verán una historia que no los retrata, los hace entender. Entender el hecho de que cada género actúa de acuerdo a sus motivaciones y legado social, y que esto hace funcionar las relaciones humanas -un contraste de opiniones-

Bajo el Sol de Toscana es un cuento, una alegoría a la pasión y un encuentro con el cine mal llamado ?sólo para mujeres?. Habrá quien no disfrute este género, pero la gran ventaja de esta cinta es que deja al espectador -cualquiera que fuera- con la sensación de haber visto algo bien hecho, con un aprovechamiento de la fotografía en esa Toscana primaveral, además de disfrutar, en el caso de los hombres, la belleza y presencia de Diane Lane; mientras que las mujeres se deleitarán con los italianos que aparecen en la historia.

Cabe aclarar finalmente que esta adaptación de la autobiografía de Mayes es muy libre en su tratamiento, ya que hubo eventos en su vida que no ocurrieron como vemos en la película -el momento en donde conoce a su segundo amor, o la exclusión del personaje de su hija en la versión cinematográfica-

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Historias de ironía y perversión (Storytelling)

2004-10-05T22:06:00.000-05:00

Todd Solondz se convirtió con Hapinness en un director satírico por excelencia (aunque un solo largometraje resultara risible para serlo) y la crítica lo alabó hasta la saciedad, con adjetivos tan vagos y banales que bien podían ser escritos por el propio Solondz para alguna de sus próximas películas. Tiempo pasó y su regreso era esperado por sus defensores.

Storytelling es el título de su más reciente filme; una conjunción de farsa, crítica ácida y mucho humor. Los primeros en externar sus opinión fueron sus fans, quienes nuevamente quedaron maravillados con su ingenio y óptica de la sociedad consumo-estadounidense (en apariencia). Por otra parte, los "críticos" más reconocidos tacharon su obra de "inferior" y decadente con relación a sus anteriores entregas. A pesar de su fama, Storytelling no tuvo el mismo encanto que Welcome to the dollhouse, ni la oportunidad de Hapinness.

Dividida en dos partes bien diferenciadas (fiction / non fiction), la película nos presenta personajes típicos del universo de Todd: seres marginales, imposibles de descifrar al primer vistazo y un tanto normales, si esto puede ser posible. Fiction es la historia de tres, una estudiante que tiene un novio con dificultades físicas y su profesor de escritura, quien pareciera una imagen de autoridad inquebrantable. En esta parte queda al descubierto una de las grande preocupaciones del director, la cual ha arrastrado en toda su filmografía: la realidad puesta en papel. Su razonamiento lo plantea en el hecho de tomar una porción de nuestro entorno e interpretarlo con letras, sin perder de vista que la realidad literaria siempre será una alegoría de la vida común.

En la segunda mitad vemos el otro universo que preocupa a Solondz: la familia americana y en especial la relación de los adolescentes con su ambiente. La historia, en principio, se centra en un hombre presa de sus circunstancias (universitario, pero sin haber cumplido alguno de sus sueños), que trata de rescatar parte de sus metas en la realización de un documental. Este trabajo lo remite de nuevo a su antigua escuela, para encontrarse con Scooby, un joven con cero aspiraciones, pero con todas las oportunidades para tenerlas.

Es cuando llegamos a la parte de Scooby que nos enteramos de las reales intenciones del director: hacer crítica no de la sociedad, sino de los cineastas que tratan de retratarla. Tal vez este detalle queda un poco desfasado por las expectativas que se tenían sobre Todd, pero también es cierto que este giro de visión es lo que al final enriquece el trabajo en conjunto. Ninguna de las dos partes tiene relación alguna, como ya había explicado Solondz, pero no faltará el incauto que descubra una conexión entre la ficción y la no ficción de Storytelling.

Un trabajo más de este director, que pone al descubierto la situación del cine actual, el cual ya no sólo se maneja por historias, sino por las opiniones y esperanzas que se tienen de él.

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El exorcista, el comienzo (próximo estreno)

2004-10-04T21:57:00.000-05:00

The Exorcist, The Beginning

¿Quién actúa? Stellan Skarsgård, Isabella Scorupco, Alessandra Martines.

¿Quién dirige? Renny Harlin.

¿De qué va? Lankester Merrin, el sacerdote que enfrentó al demonio en el clásico de 1973 -El exorcista- regresa a la pantalla. Esta película nos cuenta el primer enfrentamiento que tuvo con el diablo en África, allá por la Segunda Guerra Mundial.

México, DF - En 1973 "El exorcista" además de sacudir la taquilla, empezó a generar infinidad de rumores en torno a que era una cinta maldita.

31 años después se estrena la precuela, "El exorcista: el comienzo", y el director Renny Harlin confesó que llegó a pensar que sí existía tal maldición, ya que fue atropellado durante el rodaje.

Harlin contó que dos semanas después de iniciar el rodaje resultó severamente herido al ser atropellado por un camión mientras filmaba una escena clave:

"Algunas personas dicen que esta historia está maldita. No sé si eso sea verdad, pero el accidente sí me hizo pensar en ello. Me rompí la pierna y tuve que filmar toda la película caminando con muletas y con la pierna enyesada. Fue muy difícil y frustrante, pero finalmente todo salió bien".

Leer nota completa / fuente: el vigia

Fecha de estreno en México: 15 de Octubre de 2004 (tentativamente)

ACTUALIZACIÓN: mañana Viernes 29 de Octubre
se estrena de manera nacional en México
(checa los horarios en tu ciudad a través de cinépolis)

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El Embajador del mal (The Manchurian Candidate)

2004-10-02T22:18:00.000-05:00

En 1962, Frank Sinatra estelarizó The Manchurian Candidate; cinta que nos hablaba sobre experimentos aplicados a soldados que regresaban de la Segunda Guerra Mundial, para modificar patrones de conducta. En ese entonces, y por cuestiones del destino, en 1963 es asesinado John F. Kennedy, unos de los presidentes más carismáticos que ha tenido EE.UU. Ante este hecho, y por las referencias tan estrechas entre realidad y ficción, The Manchurian Candidate tuvo que postergar su estreno hasta 1965. Años después -en 1988- Frank Sinatra impulso el re-estreno de esta cinta, por su relevancia y temática entorno al ambiente político.

Es ahora en 2004 que regresa esta historia a las pantallas, refrescando la anécdota -se cambia el escenario de la SGM por la guerra de Kuwait en el 91- para la nueva generación de cinéfilos que desconocían la versión anterior -entre ellos yo-

A cargo de la dirección se encuentra Jonathan Demme, quien puede dividir su carrera en un antes y después de El Silencio de los Inocentes. Es con The Manchurian Candidate que regresa a las películas de "estudio" para presentarnos esta combinación de ciencia ficción y drama político.

La trama se centra en dos personajes: Raymond Shaw (Liev Schreiber), soldado condecorado con la medalla al valor y próximo candidato para la vicepresidencia de EE.UU.; y Ben Marco (Denzel Washington), compañero de regimiento de Shaw. Cuando un compañero de ambos visita a Marco, y le revela que ha tenido sueños extraños de aquella noche en donde fueron emboscados en Kuwait, y donde Shaw los salvó, Marco también comienza a cuestionarse sobre la veracidad de los hechos.

Si vemos la película en conjunto, funciona y nos da nota del estilo de Demme -el close up que manejó en El Silencio de los Inocentes se hace presente de manera efectiva aquí-, nos invita a descubrir esa conspiración que se cueste en las altas esferas, no sólo políticas sino también comerciales, en donde un gobierno -el estadounidense- se pone a merced de una organización más grande y poderosa.

En el plano actoral, vemos interpretaciones destacadas. Denzel Washington (Marco) se presenta ya como uno de los actores de carácter más importantes que tiene EE.UU. Washignton venía haciendo personajes de héroe, de redentor de situaciones complicadas, que si bien resultaban aceptables, no mostraban la gama de emociones que conlleva ser protagonista. Aquí lo vemos explosivo, melancólico, resignado, alegre, incluso vulnerable -y para que este hombre se vea así- que nos crea una gran empatía por su situación -no la clásica indulgencia por ser un héroe de guerra con traumas-

Su contraparte, Liev Schreiber (Shaw) se revela con una interpretación con nivel. Si tomamos en cuenta que este actor figuraba dentro del reparto de Scream -como el supuesto asesino-, realmente es un salto importante a un personaje con varias lecturas. El paso de "hijo de mamá", a político y víctima de un complot mundial se nota trabajado, y quién sabe, tal vez veamos a Schreiber en películas importantes.

Quien se lleva las palmas es Meryl Streep. Con esta actriz sucede algo curioso: siempre brinda buenas actuaciones, pero monótonas, demasiado "perfectas", que hace que no haya un punto de comparación entre sus trabajos anteriores -a excepción de su habilidad para adoptar acentos- En The Manchurian Candidate interpreta a Eleonor Shaw, madre de Raymond y senadora a causa de la muerte de su esposo. El retrato que presenta de madre posesiva es extraordinario. En todo momento se siente manipuladora y al mismo tiempo preocupada por su "nación", capaz de casi cualquier cosa por llevar a su hijo a la vicepresidencia.

La mayoría de los críticos apuntan esta actuación como un "homenaje" a la figura de Hillary Clinton -ya sea por ser senadoras ambas y apoyar a un hombre a un puesto importante- A pesar de este comentario, la sensación que deja la actuación de Streep es la de otra figura femenina: Jacqueline Kennedy. Si vemos de cerca la relación madre-hijo que se plantea en la película, es muy similar a la de John F. Kennedy hijo y la señora Onassis -de ahí que al principio de este comentario nombráramos el retraso que tuvo el estreno de la versión original-

De manera fugaz vemos a Bruno Ganz -el inolvidable Damiel en Las Alas del Deseo- que interpreta a un alemán que ayuda a Marco (Washington) a resolver la intriga; y a Jon Voight en un papel menor -a excepción de una escena crucial entre él, Streep y Schreiber-

Ahora bien, para el final de la película muchas situaciones se vuelven predecibles -esto no es punto en contra, pero frena el ritmo que se venía manejando desde el principio-, tal vez los flash-backs que Demme intercala restan impacto -ojo que no es lo mismo que revelar la intriga- Dígamoslo así: el final creará desilución para quien espera algo como "Intriga en la calle Arlington" -entre ellos yo- y simplemente estará en función de los gustos cinéfilos del espectador. Un elemento que puede pasar desapercibido es el diseño de sonido en algunas partes clave de la película -es difícil decir que resulta efectivo, pero vale la entrada al cine-

En resumen podemos decir que es un buen producto, impactante en su planteamiento y que goza de actuaciones más que eficientes. El pelo en la sopa es que llega en un momento político en donde a todo se le ve una pizca de realidad con tirafondo.

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ACTUALIZACIÓN: el domingo pasado (3 de Octubre) murió Janet Leigh alos 77 años, actriz que participó en la primera versión de The Manchurian Candidate. Más detalles en cineblog/mx...

La Supremacía Bourne (The Bourne Supremacy)

2004-09-30T20:39:00.000-05:00

Nos encontramos ante una continuación. La anécdota de Jason Bourne, que tuvo a bien dirigir Doug Liman primero en Identidad Desconocida (The Bourne Identity) regresa con el mismo actor -un Matt Damon que cumple- y con, digamos, el mismo estilo -aunque ahora dirige Paul Greengrass, un cineasta más reconocido por el género dcumental-

Para los que no recuerdan o no ha visto la primera cinta, podríamos decir que la trama parte del hecho que Jason Bourne es un hombre que no recuerda nada. Un día aparece a mitad del mar, es rescatado y a partir de esto, se enfrasca en la búsqueda de reconstruir su personalidad, su nombre y sus recuerdos. Poco a poco se da cuenta que él no es un hombre común y corriente: tiene un cuenta de banco en Zurich con una cantidad generosa, pelea de forma increíble, y lo que hace destacarlo de los demás es que es perseguido ¿por quién? una agencia paralela a la CIA, un proyecto llamado Treadstone.

En Identidad Desconocida vamos a la par de Bourne en descubrir quién es él. Este punto de narración resultó interesante -casi cualquier historia en donde el espectador es partícipe de la acción lo es- y nos dejó ver un estilo que se había parcializado con los años: el del espionaje. Este género donde James Bond fue, es -y tal vez seguirá- siendo el rey, pero que corresponde a un lugar a parte dentro del cine. Se necesitaba tener un cambio en las reglas de la intriga internacional, un héroe -o en el caso de Bourne, un anti-héroe- que no fuera tan encantador o cínico; un protagonista que fuera parte de un momento de la historia, -las dos películas se basan en las dos primeras novelas de Robert Ludlum, quien desarrollo un gusto por todo lo relacionado a la guerra fría- aunque en realidad Bourne no vive en medio de la guerra fría -este contexto tuvo que modernizarse- sino en las consecuencias de ésta.

En esta segunda parte, vemos que Bourne se ha establecido en la India con Marie -la joven que conoció en la primera parte y que es interpretada por Franka Potente-, pero a pesar que han pasado dos años en la historia, el proyecto Treadstone sigue generando preguntas. En otra parte del mundo conocemos a Pamela Landy, una agente de la CIA que se encuentra a la mitad de un operativo para capturar unos narcotraficantes; la operación falla -mueren sus hombres- y el único rastro de evidencia que queda en el lugar son las huellas de Jason Bourne. Este rastro conduce a Landy a tratar de descubrir qué se esconde en este proyecto y porqué Bourne está implicado en la operación fallida.

El elenco, al igual que el de la primera película , es excelente. Regresa Brian Cox como Ward Abbot, en una actuación perfecta -no hay un "pero" en su desempeño, tomando en cuenta el tipo de película-, también vemos a Julia Stiles como Nicky -la encargada de logística en la primera parte- y Gabriel Mann como el suspicaz Danny Zorn. Chris Cooper y Clive Owen no regresan -simplemente porque "los mataron" en la historia- aunque esa falta de villano es suplida con creces por Karl Urbancomo Kirill. Matt Damon, como ya dijimos, está perfecto en su papel -hay que checar la parte en donde se enfrenta a la hija de una de sus vícimas-

En un punto y a parte de encuentra Joan Allen, como la agente Pamela Landy. Además de lucir sumamente bella -reivindica a las actrices maduras, por supuesto, su trabajo es destacado por un motivo: si hubiera sido otra actriz, muy posiblemente lo hubiera manejado como la clásica mujer dominante con poder (o bitch), que todos los hombres odian y temen. En el caso de Allen, maneja un equilibrio entre esta figura y una mujer que debe ser dura e imponer autoridad ante su equipo de trabajo. Al principio de la cinta luce irracional -esa idea enferma por descubrir quien es Jason Bourne-, pero ya para el final nos damos cuenta que es la más "lógica" de toda esa agencia de investigación.

Al tratarse de una cinta de "buenos y malos", no podían faltar las secuencias de acción. En esta ocasión corrieron a cargo de Dan Bradley, quien hace un brillantísimo trabajo, tanto en las secuencias de pelea como en las persecusiones -el clímax de la película es una persecusión que dura aproximadamente 10 minutos, pero seguramente serán los 10 minutos más emocionantes que podamos ver en este 2004- Por supuesto que las locaciones son otro punto interesante en esta película -si tomamos en cuenta que la película inicia en la India, prosigue la acción en Berlín, para culminar en Moscú, aunque se utilizaron algunos escenarios de Berlín para ambientar Moscú-

Finalmente es justo destacar el trabajo del score de la película, el cual fue creado por John Powell (al igual que en Identidad Desconocida) que le añade a la película un ritmo de continuo movimiento -para algunos será demasiado movimiento, pero en gusto ya se sabe- Para hablar de esto, recomiendo el comentario que hace Ricard Borrero en cineybso (además que puedes escuchar tres fragmentos del score)

Una cinta que se disfruta mucho, igual si eres o no fanático de este tipo de películas o es la primera vez que escuchas hablar de Jason Bourne. Claro está que no es perfecta -para serlo debíamos estar todos de acuerdo- pero sus fallas son compensadas en mucho por su aspecto visual, su música, las actuaciones y ese sentido de contrarreloj que está muy de moda por la serie televisiva 24.

PD Parece que habrá una tercera parte, o por lo menos el final sugiere eso ;)

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The forgotten (preview)

2004-09-21T07:24:00.000-05:00

The forgotten

¿Quién actua? Julianne Moore y Gary Sinise.

¿Quién dirige? Joseph Ruben.

¿De qué va? Telly (Moore) despierta un día y se da cuenta que su esposo e hijo han desaparecido. Tratará de esclarecer este misterio -¿será ella la que creó toda una vida o detrás existe una conspiración?

trailer y clips / sitio oficial

La Aldea (The Village)

2004-09-20T01:40:00.000-05:00

Shyamalan la vuelve hacer. Y digo que la vuelve a hacer porque mantuvo a todos, o casi todos los cinéfilos, atentos a su reciente trabajo -sencillamente titulado La Aldea-

Por ahí leí que esta película era -entre otras cosas- un discurso social sobre los EE.UU., su hermetismo y deseo de preservar una cultura basada en algo inexistente -bueno, que existe en su conciencia colectiva-

En realidad esto último puede ser una de tantas interpretaciones que se le darán a esta película. Lo seguro es que no dejará a nadie indiferente. En principio te cuestionas sobre la "aldea", esa sociedad que aparece en la película y que quieres conectarla hacia algún punto de la historia de los EE.UU. -la historia se desarrolla en Convigton, Pennsylvania-, esencialmente al periodo de los primeros colonos- pero no puedes!. Yo pensé que éste era un fallo en el guión, pero ¡No!, cuando termina la película te das cuenta de que ese pequeño detalle estuvo pensado desde el principio y por lo tanto da congruencia a todo el conflicto.

Los que no han visto la película seguramente SI han visto el trailer, y por medio de éste nos enteramos que la historia gira entorno a un grupo de personas que viven en el campo, de forma "simple", y que se cuidan de una criaturas que presuntamente viven en el bosque -los innombrables-

Esta sociedad rural, por definición, es guiada por "los mayores" -una especie de consejo o tribunal- que establece el modo de vida, además de conocer la historia de "los innombrables" Existen reglas para mantener la armonía con esta criaturas: el color rojo es prohibido; no se debe entrar al bosque y al sonar la campana, esta será la señal de que "ellos" vienen.

En el plano actoral la situación es dispareja: mientras que tenemos a un William Hurt excelente en su papel -centrado, como el líder que plantea la historia-, y a una cara nueva como la de Bryce Howard -exacto, la hija de Ron Howard- en una actuación que sorprende y soporta el peso de un protagónico; tenemos en el otro extremo a tres actores con papeles regulares: Sigourney Weaver ¡cómo la mamá de Joaquin Phoenix! -ella tiene edad para interpretar a una madre, pero no de él-, al mencionado Phoenix con el rol de héroe, pero que no destaca como tal, y a Adrien Brody -por más que los actores digan que no hay papel pequeño, Brody cumple como lo hubiera hecho cualquier otro actor con menos habilidades en actuación-

En cuanto al trabajo de Shyamalan, se notan dos cosas: su lado de guionista está en vías de estancarse en "las vueltas de tuerca" al final de sus historias; su parte visual está madurando increíblemente -el primer plano de la película (ojo, no los créditos inciales) es tan bueno, tan "revelador", que te dice que esperar del resto; o la secuencia en donde las dos jóvenes están barriendo, y así diferentes momentos de la película que nos deleitan el ojo-

¿Shyamalan está creando un estilo o un prototipo? Yo creo que lo último. Un prototipo de historias que juegan con la sorpresa, pero si eso lo debemos esperar en todas sus películas, se convierte en fórmula y cansa. Por el momento, La Aldea no ha cansado, es un trabajo bien hecho, pero sería buen momento para este director explorar nuevas formas de tocar sus temas favoritos: extraterrestres, fantasmas, monstruos y demás seres que desafían la razón.

Para finalizar, me gustaría decir que vi un pequeño "bache" en el guión -tal vez sea cuestión de percepción- pero que deja a la historia cojeando en su parte principal y con referencia al personaje de Phoenix (pero no lo puedo decir, porque les arruino el "misterio" de la historia ;)

¡Ah! Y al más puro estilo de Hitchcock -con quien se le compara, no-sé-porque-, Shyamalan aparece en la película.

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El Precio del Silencio (The Deep End)

2004-06-18T23:15:00.000-05:00

¿Qué serías capaz de hacer por un hijo? Típica pregunta promocional que trata de vender el argumento de un filme lleno de lugares comunes y personas arquetipos. Sin embargo, y como grandes excepciones que encontramos en el cine, "El precio del Silencio" (The Deep End) plantea la misma duda, pero con una resolución interesante y con actuaciones sólidas.

En primer lugar tenemos a Tilda Swinton, actriz inglesa con un rostro enigmático, duro y al mismo tiempo con una gran capacidad de mostrar emociones variadas. En la cinta interpreta a Margaret Hall, madre de tres, un adolescente, una pre-adolescente y un niño, la cual enfrenta la sexualidad de su hijo Beau, como vehículo que desencadena el conflicto de protegerlo de las "malas influencias", al mismo tiempo que trata de salvar a su familia.

Beau (interpretado por Jonathan Tucker), el chico desubicado y enajenado por Darby (Josh Lucas), dueño de un bar en Reno, que intenta construir su identidad sexual con este hombre de treinta y tantos, se ve preso en un mar de dudas y secretos: dudas por no saber las reales intenciones de su amante Darby, y secretos que debe ocultar a su familia, como su orientación homosexual y sus escapes nocturnos.

Margaret sospecha, pero es hasta su encuentro con Darby que comprueba la magnitud de la relación que lleva con su hijo. Intenta hablar con él, disuadirlo de que desaparezca de la vida de Beau ofreciéndole dinero, pero Darby no declina sus intenciones. Días antes Beau sufrió un accidente con Darby, por conducir en estado de ebriedad.

Darby visita una noche a Beau, tratando de explicarle el encuentro que tuvo con su madre, pero su estado alcohólico hace confesarle al joven que muy posiblemente acepte el dinero. Una forcejeo se hace presente, y mientras Beau corre hacia su casa, Darby cae del muelle en donde estaban y muere.

¿Qué pasa entonces? Margaret debe afrontar el chantaje a la que es sujeta por Alek 'Al' Spera (Goran Visnjic) para no delatar a su hijo con la policía, quien en días posteriores investiga la desaparición y muerte de Darby. Alek sabe que Beau fue la última persona en ver a Darby vivo, sabe de su relación, sabe demasiado como para dejar pasar la oportunidad de ganar cinco mil dólares de manera fácil.

Margaret se enfrasca en una carrera por encubrir a su hijo, mantener la calma en el hogar y enfrentar a su chantajista.

Lo imprescindible del filme es la figura misma de Margaret, una madre fuera de estereotipos. Acostumbrados a la madres cinematográficas, que se escudan en la figura masculina y sirven de apoyo más que de mediadora de conflictos, Tilda Swinton construye una mujer que teme, que rie y lucha, pero nunca se doblega ante los problemas, que a falta de la figura paterna por estar ésta de viaje, mantiene el equilibrio en su familia, y que nosotros como espectadores, vivimos el suspenso que la mantiene en una carrera de tiempo por salvaguardar su vida.

Interesante película que estuvo nominada en diferentes festivales y entregas de premios, que deja huella que los dramas bien construídos, aunados con una fotografía excepcional, son propuestas que mantienen en alto el género, y consolidan el gusto del público por este tipo de cine.

sitio oficial

365 razones para tener Gmail

2004-06-17T01:08:00.000-05:00

Tal vez existan más, pero sólo te pedimos una, una razón por la que quieras tener una cuenta de correo en Gmail

La única condición es que esta razón tenga que ver con algo relacionado con el cine (ejemplo: "quiero la cuenta porque me encantó la película You've Got Maill, en especial cuando Meg Ryan revisaba su correo")

La respuesta más divertida se lleva la cuenta.

suerte!!!

Tiempo real

2004-04-24T23:04:00.000-05:00

Los productos mexicanos tienen la mala suerte de inspirar la condecendencia del público. Si es de bajo presupuesto, la economía tiene la culpa. Si es de alto presupuesto, es buena pero Estados Unidos llega a quitarle terreno. Si tiene a X o Y actor, está bien para ser mexicano. Una mala costumbre que entierra el débil medio cinematográfico.

En el caso de Tiempo real, sus realizadores se adelantan a este hecho y ponen en bandeja de plata la forma ideal de crear esta indulgencia: un reconocimiento mundial, un record guinness. Tal record nos dice que es la "Primera película de una toma en la historia del cine"

La cinta parte del hecho que México enfrenta un terrible problema de corrupción, originado por la codicia más elemental que otorga el dinero, y sus consecuencias (mayor poder adquisitivo, mejor estilo de vida, un staus envidiable) Es así que Fabrizio Prada, guionista y director, se plantea grabar (la filmación es exclusiva cuando se utiliza una cinta tradicional) en formato digital, la historia de un grupo de individuos que roba un almacén y huye con el motín. El dinero, como detonante de la acción, hace que estos hombres se traicionen, se escuden en la ley del más fuerte y cometan actos como matar.

Una anécdota actual, que se pudiera antojar, pero que termina superditada a sus errores. En primer lugar el guión no es lo suficientemente sólido para envolver al espectador en la trama. ¿Por qué no es sólido? La historia se llena de tópicos, que si bien son reflejo de nuestra realidad, en el ámbito cinematográfico deben tener una pincelada de ficción, ese elemento que juegue con nuestra percepción. Los diálogos (en especial los de la primera parte) son chocantes, mal planteados, forzados a introducir a los personajes (el malo, el menos malo y el que es malo, pero a veces, por poner un ejemplo) y que acaban por ser una farsa, cuando el género requiere drama. La narración es lineal (tiene una introducción, un desarrollo, el clímax y su resolución) que no llega a formar un conjunto sino que se fragmenta en un inicio aburrido, un desarrollo que por momentos se nota interesante y en otros muy lento, un clímax que no logra tener tal etiqueta, y un final o resolución que, aunque de cierta forma inesperado, no corresponde al ritmo que en los minutos anteriores se llevaba.

Las actuaciones, en su mayoría, son lo que llamamos "acartonadas" Los actores que participan vienen del ambiente teatral, que presenta una responsabilidad para moldear las reglas de una actuación en vivo, con los lineamientos y el formato que el cine impone a la interpretación. En este caso Prada falla en casi toda la cinta. Es uno de los casos en que la dirección (o la ausencia de ella) se nota demasiado.

Al ser ópera prima, se tiende a "comprender" (la famosa indulgencia mexicana, como decía antes) los fallos y a minorizarlos. La cuestión técnica en Tiempo real presenta una dicotomía: mientras que la fotografía es más un ensayo de escuela que un serio compromiso profesional; el sonido se revela como de primer nivel, con una claridad y diseño bien pensados.

En resumen, Tiempo real adolece de muchas partes esenciales con las que debe contar una película que se vanagloria de un record muy vago y que no contribuye. Si Fabrizio Prada desea continuar en el cine, debe plantear su próximo proyecto con mucho más cuidado, tacto y humildad. Anteponer el fondo a la forma, aunque no sea innovador esto pero si más enriquecedor.

links: sitio oficial de la película / ficha técnica

más información en cineblog / mx...

El Albergue Español (L'auberge espagnole)

2004-03-17T02:19:00.000-06:00

Viajar para aprendir, y vivir para contarlo. Una línea entre el aprendizaje cotidiano y las lecciones de vida que tomamos de nuestro entorno. La etapa donde captamos todo de una manera casi completa es en la juventud, estadío de madurez y entusiasmo que logra situarnos en el "mapa"

El Albergue Español retoma esta línea tan repasada y la refresca. Tenemos al protagonista, Xavier, joven francés que se encuentra en la difícil elección de un destino. Al igual que muchos, la fuerza laboral llama a su puerta, "la gran primera oportunidad", gracias a su padre que consigue que un amigo suyo le ofrezca un empleo. Cuando decide tomar el reto, se ve en la necesidad de viajar a España, para mejorar su español y conocer el panorama ecónomico de aquél país (estudia economía)

Como todo viajero, dice adiós a su familia, a su novia, a su mundo y se lanza a la aventura de descubrir el otro lado de la península ibérica (él sólo conoce Ibiza) Su madre, una hippie irremediable, le consigue hospedaje, pero Xavier reconoce que no fue la mejor elección y busca otro lugar para vivir.

Esta búsqueda lo lleva a relacionarse con una pareja de recién casados, franceses ellos, quienes le dan hospedaje en su hogar por algunos días, mientras él consigue algo más estable. Es así como llega al "albergue español", un apartamento compartido por cinco jóvenes de diferentes nacionalidades: Italia, España, Inglaterra, Alemania y Dinamarca conviven cual edificio de Naciones Unidas.

Lo destacable de esta cinta se sustenta en el manejo de la historia, como si de un reality show se tratase, pero alejado de los vicios de este tipo de espectáculos. El tono lo da la utilización de video digital, que además de reducir gastos en la producción, invita al espectador a ser uno más del grupo multinacional. Interesante si tomamos en cuenta que la era digital no está siendo aprovechada al máximo; y si hablamos de cine, suele dirigirse sus alcances a efectos especiales absurdos.

Al plantear la convivencia de varias personas, distintas en gustos y estilos de vidas, podríamos presenciar una galería de estereotipos. Este no es el caso. Cédric Klapisch, el director, echa mano de la interacción para construir la anécdota, sin discursos políticos o sociales que convirtieran la película en un tratado sobre las diferencias y el nacionalismo.

Dentro del reparto encontramos a Audrey Tautou (la melosísima Amelié), como la novia de Xavier, mientras que el resto es un grupo de actores un tanto desconocidos, pero que resulta efectivo para el cuadro actoral. Es de destacar que el casting para cada uno de los personajes se llevó a cabo en cada uno de los diferentes países que convergen en la historia.

Entre la comedia y el drama ligero es donde encontramos a El albergue Español, una historia sin mayores pretenciones que entretener al público ¿y porqué no?, reflexionar sobre la homogeneidad social, aun cuando yo diga "si" y tú digas "oui"

links: sitio oficial (español) sitio oficial (inglés) / ficha técnica / imágenes

Perdidos en Tokio (Lost in translation)

2004-03-08T01:11:00.000-06:00

A Holywood le gusta vanagloriarse por permitir que las minorías accesan a las posiciones de poder. La última acción de este tipo "beneficia" al sector de la dirección, y en específico a la mujer. Sofia Coppola, hija de Francis Ford y prima de Nicolas Cage, se enfrenta con la responsabilidad de ser "La primera mujer estadounidense en ser nominada a Mejor Director" en los Oscares. Tal título bien podría leerse en el libro de los records guiness. Lo que no es casualidad es que Sofia tenga bajo el brazo una cinta poderosa, bien estructurada y lo más importante: una película bella.

El adjetivo de bello suele en ocasiones confundirse con la superficialidad o la rápida moda, pero Lost in translation no puede mencionarse sin éste. Es una película que de principio a fin juega con lo más poderoso con lo que se puede echar mano, los sentimientos. Coppola plantea la soledad como el denonante de la situación, con un actor maduro y obligado a aceptar comerciales "caros con contenido barato", y una mujer recién egresada, con la vida por delante, pero aceptando un matrimonio monótono en estuche de cristal.

La belleza no es Tokio, ni sus luces y escaparates de inmejorable calidad, tampoco el hotel donde se desarrolla la trama; la belleza es la vida en sí, el ver como estos dos personajes "Perdidos en Tokio" recuperan la esperanza por despertar cada mañana y reconocer cada detalle, por minúsculo o insignificante que sea.

La película no es motivacional o con moraleja engañosa, solamente deja ver que la felicidad, la amistad, el amor, todos aquellos valores universales que damos por hecho suelen diluirse si no existe una retroalimentación, un deseo por continuar.

Bill Murray se luce en su papel. Deja atrás el cínico que lleva dentro y deja aflorar la vulnerabilidad de su situación actual (actor maduro, sin muchos papeles en puerta, aceptando cualquier trabajo, vamos, una autobiografía no oficial), tal vez ese es el valor agregado de su actuación, las dos lecturas que podemos tener de su "Bob Harris" No deja de sorprender este hombre, que desde su actuación en Rushmore, no había dado en el clavo con otro personaje.

La joven Johansson se muestra discreta en su interpretación, pero insistimos, ella también refleja parte de su vida personal en la figura de Charlotte: mujer joven con un mundo por delante.

Lo más interesante de la película resulta ver la carga personal que Sofia imprimó a cada personaje y situación, tomando como referencias su viaje a Japón cuando promocionó su primer largometraje, Las Vírgenes Suicidas, su padre y Kurosawa (por los anuncios de bebidas alcohólicas en los que trabajaron) y su situación matrimonial con el también director Spike Jonze (la relación entre Charlotte y John, el fotógrafo reconocido)

Un acierto en la naciente carrera de esta directora que sin duda está forjándose un nombre dentro de lo más importante de la elite cinematográfica, además de ir borrando su fama de actriz desastroza. Esperamos con gusto su siguiente proyecto.

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Posesión (Possession)

2004-03-07T23:58:00.000-06:00

El amor en la gran pantalla. Las relaciones románticas en el cine han sido uno de los grandes imánes al momento de crear clásicos que generaciones y generaciones disfrutan. Parejas de antaño que nos remiten por igual a un presente aderezado por la evolución natural de la sociedad. Las miradas furtivas y el beso no solicitado permanecen como las tácticas de seducción por excelencia.

Neil LaBute, director de cintas como Friends & Nieghboors o Nurse Betty, se lanza de lleno al mundo de la poesía (catalizador clásico de pasiones) con su cuarto trabajo: Posession. En ésta, se cuenta la historia de amor en dos tiempos: un presente en donde la mujer ha colgado la etiqueta de esposa y revestido su persona con la imagen de profesionista; un pasado en donde el hombre mantiene la costumbre de escribir cartas a la persona amada.

Gwyneth Paltrow (Maude) y Aaron Heckhart (Roland) dan vida a la pareja contemporánea. Sus caminos se cruzan en Inglaterra cuando ambos realizan una investigación de dos grandes poetas victorianos: Christabel LaMotte y Randolph Henry Ash. Pareciera que no tuvieron nada en común en su época (además de la escritura), hasta que Roland descubre unas cartas escritas por Ash, dirigidas a LaMotte. Es el tipo de cartas que rebasan la amistad.

Es así como la historia de amor entre Christabel y Randolph, escondida e ilícita (él es casado, mientras ella vive en unión libre con otra mujer) da pie para que Maude y Roland comiencen su "historia" de entrega, con frases llenas de regocijo por el lenguaje.

Basada en la obra "Possession: a romance" escrita en 1990 por A.S. Byatt, cuyo primer borrador de guión lo realizó Laura Jones y corregido por el propio LaBute, Posession no juega con las pretenciones, en si la literatura en ocasiones raya en lo trascendental donde no lo hay, es por ello que LaBute permite que sus personajes expongan su tesis de los hechos, sin olvidar que del amor se ha dicho todo (o casi todo), por lo que la película se apoya en la recreación de dos épocas, y el contraste de éstas es un buen ejercicio sobre la narrativa, un poco clásica, un tanto más adecuada sin ser perfecta.

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Pegado a tí (Stuck on you)

2004-03-06T01:05:00.000-06:00

Hollywood tiene la rara costumbre de crear prototipos de películas, actores y directores. Es bien sabido que los productos más rentables tiene detrás toda la maquinaria mercadológica para cumplir su cometido: generar millones en taquilla. Dentro de este mundo, y desde hace aproximadamente 9 años, una pareja de hermanos irrumpió en las carteleras, con un estilo totalmente desenfadado: los hermanos Farrelly. Éstos, quienes desde su primera película Dumb & Dumber, jugaron con las reglas de lo "politicamente incorrecto" y la notoriedad entre el público.

Han establecido ya un estilo, que si bien no es nuevo, refrescó en gran medida la comedia estadounidense y los clichés de la comedia en movimiento. Es con There´s something about Mary que se coronan como los reyes del mal gusto, pero con una carrera rentable para los estudio de cine. A ésta siguieron éxitos como My, myself & Irene, Say it isn´t so y Shallow grave, todas con el sello que poco a poco los fue colocando en una categoría privilegiada en el gusto popular.

Es ahora en el 2003 que su regreso era obligado. Se manejaron rumores como la posible participación de Woody Allen en uno de los roles principales (que al final recayó en Greg Kinnear) o el adivinar que cameos veríamos en esta película (muy recurrentes en su filmografía)

Pues bien, Stuck on you es diferente. Lejos de regresar a la fórmula al pie de la letra (en cuento a bromas y gangs) los Farrelly apuesta por una evolución en el fondo; intentan que ese mensaje que ha estado presente en todas sus películas (una moraleja aderezada con humor) trascienda a un plano más sólido, es decir, dejar a un lado el nivel escatológico hasta reducirlo a mero elemento de estilo (hubiera sido erróneo cambiar la forma en la que realizan su "cine")

La constante en sus historias son los personajes marginados, aquellos que la sociedad repude en principio y adora al final. En este caso, los personajes principales (Matt Damon y Greg Kinnear) son unos siameses que viven en un pueblo pesquero, tan típico en EE.UU. La anécdota se construye a partir del hecho que uno de ellos decide probar suerte como actor en Hollywood (el sueño), mientras el otro acepta a regañadientas esta decisión.

Lo que distingue a esta cinta es la capacidad de sus directores de entremezclar su propuesta, a la vez que definen mejor a sus personajes, dotándolos con gracia natural sin caer en la obviedad a la que nos tenían acostumbrados. Dentro del reparto destaca la figura de Eva Mendes, como la chica sexy de la historia, que ofrece si bien una actuación promedio, brilla en ocasiones con su fingido acento californiano y su atractivo físico.

Es claro que Stuck on you no es la mejor película de 2003, sin embargo deja un buen sabor de boca a los fans de los Farrelly y una confirmación de que ellos no tienen, por el momento, intención de abadonar su estatus que la industria les ha dado.

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Con amor, Liza (Love, Liza)

2004-03-05T23:55:00.000-06:00

Siempre ha sido común que los actores, después de haber experimentado su faceta interpretativa durante algún tiempo, den el salto detrás de cámaras y se enfrenten a la realidad de lidiar con su fama y su calidad de director. Actores como Mel Gibson o Clint Eastwood mantuvieron su reputación intacta, además de lograr un avance en su carrera.

Es también cierto que en la actualidad, algunos (la mayoría desconocidos) intentan seguir esta línea con diversos resultados. Este es el caso de Todd Louiso, un actor que si bien tiene una filmografía constante, es hasta su ópera prima que logró cierto reconocimiento por parte de su gremio. Ya antes había experimentado la dirección, con el cortometraje The fifteen minute Hamlet, pero es con Love Liza que su nombre se comentó en los círculos independientes de EE.UU.

Love liza es una larga reflexión sobre el sucidio, la nostalgia y el abandono. Es la historia de un hombre (magnificamente interpretado por Phillipe Seymour Hoffman) que enfrenta la muerte de su esposa; ella, como forma de despedida, escribe una carta para él que no se atreve a leer, por miedo a conocer en realidad las razones de su partida.

El problema con esta película radica en la necesidad de repetir una fórmula del cine independiente estadounidense, que se antojaba como un simple detonante y no una fábrica de historias que se intertextualizan al por mayor. Es como si un molde se hubiera repartido entre los directores novatos para alcanzar cierta notoriedad en festivales como Sundance o entregas de premios como el Independent Spiri Award.

Dejando atrás este sombra, la película mantiene por momentos un tono totalmente triste, envolvente, que adentra al espectador en esta lucha de este hombre por saber que sigue después de una pérdida tan incoherente, tan llena de huecos que pueden no ser llenados en el transcurso del drama. Es grato darse cuenta que la historia no es indiferente, incluso profunda y en cierto grado armoniosa con los tiempos actuales, pero queda superditada a una serie de imágenes prototipo que no alcanzan a justificarse, aun cuando los planos son correctos.

Dos aspectos mantienen la película: la música original, compuesta por Jim O'Rourke (un aspecto que el cine independiente no deja pasar); y la actuación de Hoffman, quien hasta esta cinta, se había destacado únicamente en papeles secundarios. El detalle curioso, y que nos hace referencia a lo relativamente fácil que es crear un guión aceptable, es el hecho que Gordy Hoffman, hermano menor de Phillipe, escribió el guión del filme, sin tener mayor conocimiento que sus vivencias a bordo del taxi que conduce.

Todd Louiso tienen por delante la oportunidad de refrendar su trabajo en dirección, con un guión propio como en el caso del cortometraje que dirigió, o tener la misma suerte que otros actores-directores han tenido, como Todd Field y su laureada In the Bedroom.

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Todo al descubierto (Full Frontal)

2004-03-04T23:39:00.000-06:00

Los experimentos en la meca del cine están a la orden del día. Tanto directores consagrados como debutantes tratan de innovar su propuesta, ya sea en la puesta en escena (Dogma 95), un reparto desconocido (Elephant) o una serie de elementos que les aseguran unas críticas diferentes a las ya habituales. Tal es el ejemplo de Steven Soderberg, un cineasta que en apariencia ha caido en la maquinaria hollywoodense, a partir de su inclusión en el mal llamado "cine comercial", con productos de gran factura como Erin Brokovich, Ocean´s eleven, o su trabajo más impersonal como lo fue Traffic.

Tal vez cansado de lidiar con el "star system", o buscando una forma de filmar que no significara una renuncia creativa, Soderberg se lanza con un proyecto un tanto desangelado, pero que sirve para re-localizarlo dentro de sus raíces simplistas: Full frontal. En este experimento planeado (la improvisación que presume es mero artificio para dotar de interés a la crítica), vuelve a compartir días de trabajo con su pseudo-musa, la siempre sonriente Julia Roberts, quien no logra quitarse la carga que significó su Oscar mal otorgado (Ellen Burstyn podrá dar cuenta de ello) aun cuando su personaje es una copia exacta de su propio estatus de "estrella"

En cuanto al resto del equipo vemos caras conocidas como Catherine Keener (la ex reina del cine independiente), David Duchovny (sorprende con ciertas limitaciones en su papel de productor), David Hyde Pierce (nunca podrá dejar atrás su creación en la serie televisiva Frasier), Nicky Katt (un actor que logró escapar de ser "sujeto 1" en los créditos), y la que posiblemente sustenta el mejor papel de la cinta, Mary McCormack, como una masajista de alto nivel.

La película parte de la clásica visión que Hollywood tiene de sus propios actores. Un galería de personajes arquetipo, con problemas y depresiones propias de la industria cinematográfica más influyente en el mundo. Tenemos, por ejemplo, a la "perfecta actriz" (julia roberts), con problemas tan agudos como escoger un regalo de cumpleaños; o al productor de cine (David Duchovny), el personaje más honesto de la historia.

La situación que incomoda de la película no es el hecho de la crítica demasiado repasada en otros filmes (como en The Anniversary Party), sino lo poco que queda de la idea original: crear algo nuevo. El experimento queda compilado en unas cuantas reglas explícitas de Soderberg para con sus actores, sin que ellas tengan un efecto significativo en el desarrollo de la película. La historia se reduce a un día en la vida de actores, escritores, productores y directores hollywoodenses. Ante esta limitada y gastada anécdota, solo se podía esperar que la dirección destacara. En algunos aspectos, resulta interesante su posición de recrear la "realidad" (como el juego de una película dentro de otra), mientras que otros, como la subtrama de Keener y su amante, dejan que pensar sobre hasta que grado Soderberg tenía claro el argumento.

Haciendo honor a la reputación de Steven, su trabajo no puede considerarse un revés en su filmografía, al igual que tampoco debe tomarse como un avance, simplemente una película en donde nuevamente nos sorprende la fotografía (tal vez el aspecto de Soderberg que sigue en progreso)

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En carne viva (In the cut)

2004-03-03T23:49:00.000-06:00

Reto. Un reto suele tomarse como la clara oposición a un camino ya recorrido. En el caso de la película que comentaremos, In the cut, esta palabra encaja de manera perfecta. En principio tenemos a la directora, Jane Campion, que se ha ganado un respeto internacional por su bien llevada (y a veces incomprendida) filmografía, que va desde la ternísima An Angel at my table, pasando por su éxito mundial, The Piano, hasta llegar al thiller que da un giro a su estilo semi-preciosista.

Este estilo romántico y gélido que venía presentado queda guardado para dar rienda suelta a la más pura sensualidad y erotismo, por momentos "vulgares", por momentos irónicas y reflexivas. Es con In the cut que Campion explora su faceta abierta a la pasión urbana, fuera de costumbrismos y vestidos largos. Adapta su postura femenina al siglo 21, delimitada por un Nueva York caluroso y poco visto en películas filmadas allí. No por nada se encargó de escoger meticulosamente cada locación (el distrito de Tribeca), en busca de ese ambiente decadente.

La protagonista, llamada en su tiempo "La Novia de América", Meg Ryan, acepta de igual forma la apuesta de tridimensionalizar su bagaje histriónico en la figura de una mujer entrada en sus treinta, con una vida hecha, pero incompleta y que persigue esa chispa tan básica como el sexo en el nivel físico. No sólo desnuda su mente, también su cuerpo se ve expuesto por primera vez a la crítica, en aras de crear un personaje "real".

Mujeres al final, y con carreras notables, la una y la otra se toman de la mano en este proyecto arriesgado y complicado, tanto para demostrarse a si mismas que un cambio es el rumbo de la superación, así como para demostrar su visión de la mujer actual.

Meg Ryan, como maestra universitaria de literatura, se muestra tímida en su actuación al principio, tal vez por controlar demasiado los gestos que la delataran como actriz encasillada en la "comedia romántica". Su papel se compone de dos partes: una mujer en apariencia feliz y una persona entregada al deseo. Su actividad principal se basa en la búsqueda del "slang" o lenguaje popular en su distrito, a través de uno de sus alumnos, quien al mismo tiempo realiza una investigación sobre un asesino serial (John Wayne Gacy)

Una tarde, mientras tiene una reunión con su discípulo, Frannie (Ryan) descubré su lado voyerista y eso la intriga. Esto resulta simplemente el inicio de su viaje. Días después toca a su puerta un detective para cuestionarla sobre un asesinato cometido cerca de su departamento. Este segundo descubrimiento desencadena en ella la necesidad de probar sus límites sexuales. Aún cuando ella no reprime sus instintos, es con el Detective Malloy con quien decide experimentar "en carne propia" la emoción de encuentros furtivos y sensaciones desconocidas.

La historia de pasión entre estos dos personajes se ve complementada con el aporte de la siempre correcta Jennifer Jason Leigh en la figura de Pauline, media hermana de Frannie, quien llena la pantalla con su acento y su porte sexy. Por momentos roba cámara a Ryan, pero esto es inevitable debido a la experiencia de Jason en papeles "trabajados"

El objeto de deseo de Frannie, Malloy, interpretado por Mark Ruffalo, es tal vez el mayor acierto en cuanto a reparto se refiere. Transforma la figura tradicional de autoridad en algo más accesible y un tanto ilícita, con la medida justa de misterio y machismo (es decir, fuera "príncipe valiente)

Si bien al principio de este comentario planteabamos el reto como distintivo de In the cut, ahora corresponde decir que este "reto" se cumple a medias. Por un lado, la historia, más allá de la mitad, se torna lenta por la necesidad de Campion de reafirmar a Ryan como actriz seria, sin dejar que ella misma respire el carisma que tiene. En el otro extremo, la fotografía con claroscuros y lente desenfocada se presenta cansada al espectador, contribuyendo a perder ese estilo que al inicio se antojaba intimista. En honor a la verdad, y a pesar de que In the cut se basa en la novela homónima de Susanna Moore (quien junto con Campion escribió el guión), la historia no presenta novedad alguna en la narrativa, aunque se agradecen los flashbacks que Campion retoma, imprimiéndolos con cierto aire de "The Portrait of a Lady".

Queda claro que Meg Ryan no pasará desapercibida con este papel, aunque las razones se fusionen en una sola: el morbo por verla desnuda (que dicho sea de paso, mantiene una figura admirable a sus cuarenta y tantos años). Jane Campion, por su parte, se anota un acierto con respecto a trabajar historias ambientadas en una modernidad latente.

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21 gramos (21 grams)

2004-03-02T21:36:00.000-06:00

La idea de mezclar historias es un recurso utilizado con frecuencia, pero con fines específicos. Hay historias cruzadas que sirven como catalizadores de una situación; hay otras que de manera individual funcionan sin que llegue a afectarse el resto; y existen unas más que juegan con la ilusión de ser partes dipersas dentro de un universo, para llegar a la conclusión que todo está conectado de forma inexplicable.

Este último caso es al que apela 21 gramos, una cinta que presenta tres momentos en un espacio-tiempo. Esta multitud de enfoques es algo no-nuevo en el insipiente estilo de su director, Alejandro González Iñarritu, quien en su anterio trabajo (amores perros), sacó la técnica de director de comerciales y la juntó con el experimento de recrear vidas que se ligan por un evento en común.

Tomando como antecedente lo anterior, 21 gramos se antojaba para ser una pequeña remembranza del éxito de 2000, incluyendo la fórmula que resultó y evidenciando un poco más de presupuesto y tiempo. Fue grato descubrir que las semejanzas entre aquellos "perros" y estos "gramos" están dadas por el director y el guionista solamente. A pesar que la anécdota de un accidente automovilístico como detonante de la trama se evidencia en ambas películas, Gónzález Iñarritu apuesta en 21 gramos por el trabajo actoral por encima de la puesta en escena. Si bien la fotografía de Rodrigo Prieto crea los ambientes grises y el tono de los planos, es el trabajo de Naomi Watts, Sean Penn y Benicio del Toro que destaca por sobre las sombras de la incertidumbre que viven sus personajes.

En el aspecto actoral, tendríamos que decir que Naomi Watts, como una viuda alcohólica/drogadicta en periodo de duelo, se lleva las mayores palmas. Deja a un lado el aspecto físico (si bien, el maquillaje oscuro contribuyó a su personificación) y se adentra en la mente y el espíritu de esta mujer sin dejar duda que estamos contemplando una representación de la realidad lo más fidedigna posible. Sean y Benicio también mantienen un alto perfil, pero creemos que no se equipara con el de la australiana.

Si tuvieramos que poner un pero, sería la pretenciosa edición del filme. Por una parte juega al rompecabeza sin solución evidente, y por otra, se maneja en la línea de proporcionar los datos suficientes para ir construyendo el clímax, y por consecuencia, la resolución del conflicto. Lejos de ser un intrincado juego de piezas desordenadas, resulta más obvio un orden intercalado y demasiado pensado para el público.

Sin duda 21 gramos es el siguiente nivel en la filmografía de Iñarritu, pero si pretende tener un estilo, bien puede cambiar el compañerismo creativo o aceptar que no todo se conecta de tres en tres.

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Abajo el amor (Down with love)

2004-03-01T23:14:00.000-06:00

En ocasiones hay películas que se anuncian con una idea y termina decantando en otra. Es el caso de Abajo el amor, la cual presumía ser un homenaje a las comedias de los cincuenta estadounidenses, aquellas donde Rock Hudson y doris Day eran los reyes de la pantalla. El homenaje se vió, pero también nos trajo un reflexión sobre la comedia actual: la línea delgada entre el doble sentido del lenguaje y las situaciones "divertidas" correctamente planteadas

Es claro que la base de esta cuestión surge de las mentes detrás del guión: Eve Ahlert y Dennis Drake, quienes debutan en esta cinta, aunque su trabajo puede constatarse en algunos episodios de la serie televisiva The Nanny. Si las cintas cincuenteras pecaban de inocentes y bobas, Abajo el amor deja atrás esta característica y nutre a sus protagonistas de una chispa propia de los noventa, con diálogos encaminados a presentar alusiones sobre la anatomía, los gustos y la sexualidad nada disfrazada. La referencia tal vez esté ligada a la ambientación y atmósfera, con trajes fastuosos portados por la poca afortunada Renée Zellweger (en el papel de Barbara Novak), quien después de un papel más memorable como Roxie Hart en Chicago, no consigue llenar la pantalla con su encanto, y se limita a ceder terreno al camaleónico Ewan McGregor, quien teniendo como referencia un papel similar en Moulin Rouge, sale bien parado en su interpretación de Catcher Block, un mujeriego neoyorkino con martini en mano.

El lado interesante de este filme es el conocido "cambio de tuercas", donde la situación feminista queda reinvindicada con creces, alejada del discurso de la igualdad de géneros y enfocada en las ventajas de cada sexo. Sin duda una película que no será inolvidable, pero que será un parámetro para futuros tributos a prototipos de antaño.

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